처음 이 그림을 보면 아주 익숙한 풍경처럼 느껴집니다.
연못 위에 수련이 떠 있고, 물에는 나무와 하늘의 모습이 비쳐 있습니다.
그런데 조금 오래 바라보고 있으면 이상한 점이 하나 보입니다.
우리가 흔히 생각하는 풍경화와는 조금 다릅니다.
하늘도 없고, 지평선도 없습니다.
어디까지가 물이고 어디부터가 주변 풍경인지도 한눈에 구분하기 어렵습니다.
마치 연못의 아주 작은 부분을 가까이 들여다보고 있는 것 같습니다.
이 작품은 클로드 모네의 〈푸른 수련〉입니다.
그리고 이 그림을 이해하려면 먼저 한 가지 질문을 해볼 필요가 있습니다.
모네는 왜 평생 같은 연못을 계속 그렸을까요?
모네가 직접 만든 연못
모네의 수련을 이야기할 때 빠질 수 없는 장소가 있습니다.
바로 프랑스 지베르니에 있는 모네의 정원입니다.
모네는 1883년 지베르니에 정착했고, 1893년에는 자신의 집 근처에 물의 정원을 만들었습니다.
그리고 그곳에 연못을 만들고 수련을 키웠습니다.
처음부터 이 연못이 모네의 대표적인 그림 소재였던 것은 아닙니다.
하지만 시간이 지나면서 이야기가 달라졌습니다.
1910년대에 들어서면서 정원과 연못, 특히 수련이 모네에게 거의 유일한 영감의 원천이 되었습니다.
자신이 직접 만든 정원이 결국 그의 가장 중요한 그림의 소재가 된 것입니다.
오르세 미술관은 모네가 자신의 정원을 두고 "나의 가장 아름다운 걸작"이라고 표현하기도 했다고 소개합니다.
처음에는 그냥 수련을 그린 그림이었다
모네가 수련을 그리기 시작했다고 해서 처음부터 이런 모습이었던 것은 아닙니다.
초기의 수련 그림에서는 연못과 주변 풍경이 비교적 분명하게 보입니다.
나무가 있고, 물이 있고, 수련이 떠 있는 모습을 한눈에 알아볼 수 있습니다.
그런데 시간이 지나면서 모네의 그림에서 주변 풍경이 점점 사라지기 시작합니다.
하늘과 지평선이 사라지고, 연못의 일부만 화면에 남게 됩니다.
이렇게 되면 관람객은 더 이상 "연못을 바라보는 사람"의 시선으로 그림을 보기가 어려워집니다.
그저 물 위에 떠 있는 색과 빛, 수련과 반사된 모습만 보게 됩니다.
지평선과 하늘을 없애고 연못의 작은 부분을 거의 확대해서 보여주는 구도인거죠
그런데 가까이 보면 수련이 잘 안 보인다
이 그림을 실제로 가까이에서 보면 더 재미있습니다.
멀리서 봤을 때는 분명 연못과 수련이 있는 풍경입니다.
하지만 가까이 다가가면 식물의 모양보다 붓질이 먼저 눈에 들어옵니다.
푸른색과 보라색, 초록색, 흰색과 붉은색의 물감이 짧고 자유로운 붓질로 겹쳐 있습니다.
어떤 부분은 물처럼 보이고, 어떤 부분은 풀이나 나뭇잎처럼 보이지만 정확하게 무엇을 그렸는지 구분하기 어려운 곳도 있습니다.
오르세 미술관 역시 이 작품을 가까이에서 보면 식물이나 반사된 풍경을 알아보는 것보다 붓질 자체가 더 강하게 느껴져 거의 추상화처럼 보인다고 설명합니다.
그러니까 이 그림은 멀리서 볼 때와 가까이에서 볼 때 전혀 다른 모습이 나타납니다.
멀리서는 연못이고, 가까이에서는 물감입니다.
모네는 풍경을 점점 없애고 있었다
여기서 후기 모네의 그림이 재미있어집니다.
우리는 흔히 모네를 빛과 풍경을 빠르게 그려낸 인상주의 화가로 알고 있습니다.
그런데 말년의 모네는 오히려 풍경에서 점점 멀어지고 있었습니다.
정확하게 말하면 풍경을 완전히 버린 것은 아닙니다.
풍경을 구성하던 요소들을 하나씩 덜어내기 시작했습니다.
하늘이 사라지고, 지평선이 사라지고, 멀리 있는 나무와 정원의 모습도 점점 알아보기 어려워집니다.
결국 화면에는 물과 수련, 그리고 그 위에 흔들리는 빛만 남습니다.
그래서 〈푸른 수련〉을 보고 있으면 "무엇을 그렸는가"보다 "어떻게 보이는가"가 더 중요해집니다.
같은 연못인데 매번 다른 그림이 된 이유
모네는 같은 연못을 계속 그렸습니다.
그런데 같은 장면을 그대로 반복해서 그린 것은 아닙니다.
물은 계속 움직이고 있었고, 빛도 계속 달라졌습니다.
시간과 날씨에 따라 연못의 색이 달라지고, 수련의 모습도 달라집니다.
바람이 불면 물결이 생기고, 주변의 나무가 물에 비치는 모습도 달라집니다.
그래서 같은 장소를 그리더라도 모네가 바라보는 순간마다 다른 화면이 만들어졌습니다.
이런 점에서 수련 연작은 하나의 풍경을 여러 번 복사한 그림이라기보다,
같은 장소에서 계속 변화하는 순간을 붙잡으려는 시도에 가깝습니다.
그림을 그리는 장소가 곧 작품의 일부가 되었다
생각해보면 모네의 경우에는 조금 특이한 부분이 있습니다.
보통 화가는 그림을 그릴 장소를 찾아갑니다.
그런데 모네는 자신이 그림을 그릴 장소 자체를 만들어버렸습니다.
정원을 만들고, 연못을 만들고, 수련을 심고, 그곳을 계속 바라보면서 그림을 그렸습니다.
결국 모네의 정원은 단순한 생활 공간이 아니라 거대한 작업실이 된 셈입니다.
그가 죽을 때까지 연못을 계속 그릴 수 있었던 것도 자신이 직접 만든 풍경이었기 때문입니다.
오르세 미술관에 따르면 1910년대부터 1926년 사망할 때까지 지베르니의 정원과 연못은 모네에게 주요한, 사실상 유일한 영감의 원천이 되었습니다.
그런데 이때부터 그림이 조금 달라진다
〈푸른 수련〉을 자세히 보면 화면의 가장자리에도 재미있는 부분이 있습니다.
그림의 일부는 화면 끝까지 색이 꽉 채워져 있지 않고, 물감의 흔적이 그대로 남아 있는 부분도 있습니다.
완벽하게 정리된 풍경화라기보다는 아직 만들어지고 있는 화면처럼 느껴집니다.
이런 특징 때문에 이 작품에서는 자연을 묘사하는 것뿐 아니라 그림 자체가 하나의 대상으로 느껴집니다.
어떤 색을 어디에 놓았는지, 붓을 어떤 방향으로 움직였는지가 눈에 들어오기 시작합니다.
이런 후기 모네의 자유로운 붓질과 형태에서 벗어난 표현은 이후 추상회화 작가들에게 영향을 주게 되었습니다.
그래서 모네의 수련은 생각보다 현대적인 그림이다
재미있는 것은 우리가 이 그림을 보면서 "아름다운 연못 풍경"이라고 생각하지만,
그림을 가까이에서 볼수록 풍경이라는 정보가 사라진다는 것입니다.
그리고 마지막에는 색과 붓질만 남습니다.
이런 방식이 이후의 추상미술과 닿아 있습니다.
모네가 추상화를 그리려고 했다고 단순하게 말할 수는 없습니다.
그는 끝까지 자연을 바라보고 있었습니다.
다만 자연을 눈에 보이는 모습 그대로 설명하는 것에서 점점 멀어졌고,
물과 빛, 색과 붓질을 통해 자신이 바라본 순간을 표현하는 쪽으로 나아갔습니다.
그래서 오늘날 우리가 보기에는 후기 수련이 추상화처럼 느껴지는 것입니다.
직접 보면 그림보다 먼저 색이 들어온다
오르세 미술관에서 이 작품 앞에 서면 처음에는 화면 전체를 덮고 있는 푸른색과 보라색이 먼저 눈에 들어옵니다.
그다음에야 흰 수련과 초록색 잎이 보입니다.
그리고 조금 더 가까이 가면 물 위에 떠 있는 수련보다 수많은 붓질이 보이기 시작합니다.
멀리서 풍경으로 보였던 것이 가까이에서는 색의 조각처럼 변하는 것입니다.
아마 모네가 평생 같은 연못을 바라보면서 찾으려고 했던 것도 이런 순간이었을지 모릅니다.
같은 연못이지만 시간에 따라 계속 달라지고, 빛이 달라질 때마다 전혀 다른 색으로 보이는 순간 말입니다.
그래서 〈푸른 수련〉은 단순히 수련이 예쁘게 피어 있는 연못을 그린 그림으로만 보기에는 조금 아쉽습니다.
모네는 자신이 만든 정원에서 같은 풍경을 계속 바라보면서, 자연을 점점 더 적은 정보로 표현해 나갔습니다.
그리고 결국 화면에는 풍경의 일부와 색, 빛, 붓질만 남았습니다.
그래서 100년이 넘는 시간이 지난 지금 이 그림 앞에 서면,
우리는 모네가 바라봤던 연못과 동시에 그가 캔버스 위에 남긴 물감의 흔적을 함께 보게 됩니다.
작품 정보
- 작품명: 〈푸른 수련〉 (Nymphéas bleus)
- 작가: 클로드 모네
- 제작연도: 1916~1919년
- 재료: 캔버스에 유채
- 크기: 204 × 200cm
- 소장처: 오르세 미술관, 파리
참고 자료
- Musée d'Orsay, 〈Nymphéas bleus〉
- Musée d'Orsay, Claude Monet 관련 작품 및 소장 자료
본문에 사용한 작품 사진은 파리 오르세 미술관에서 직접 촬영했습니다.
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